l'Art Deco

De 1920 à 1939, et en réaction à l'Art nouveau d'avant la Première Guerre mondiale, l'Art déco fut un mouvement artistique extrêmement influent surtout dans l'architecture et le design, mais concerna en fait plus ou moins toutes les formes d'arts plastiques.

Le style Art déco tire son nom de l'Exposition internationale des Arts Décoratifs et industriels modernes qui se tint à Paris en 1925.


Contexte

Les années folles

1918 : fin de la Première Guerre mondiale, un monde était mort, une société très différente surgissait des décombres.
La France sort de quatre ans de cauchemars, de tranchées, et entend rattraper le temps perdu. La société a subi en quatre ans de conflits, des changements radicaux et irrémédiables. L’ordre bourgeois établi bascule, des fortunes colossales se sont établies pendant la guerre.

Les découvertes

La relativité avec Albert Einstein, l’aviation intercontinentale avec Charles Lindbergh et Jean Mermoz, l’automobile, le téléphone, etc.

Littérature

Jean Cocteau, André Breton et le surréalisme.

Psychanalyse

Freud, qui découvre l'hystérie, auprès du Docteur Charcot (neurologue français), et se met en quête de ce qui deviendra la psychanalyse.


Le contexte artistique

Plusieurs événements artistiques ont provoqué des changements majeurs dans les arts décoratifs et particulièrement le mobilier.

Les ballets russes de Serge Diaghilev

Mêlant danse, musique, peinture, au faste oriental, costumes de Lev Bakst, rideau de scène et décor de Picasso, de Derain, de Delaunay et encore bien d'autres, donnent le goût pour le côté « mille et une nuits », du luxe et de l’exotisme. D’où la mode des éventails des plumes, des jets d’eau, des couleurs vives. Les couleurs insolites vont s’imposer dans le décor du mobilier : on verra des boudoirs aux murs orangés, des salons tendus de noir. Vaslav Nijinsky en était le meilleur danseur, mais aussi le plus adulé, notamment pour ses interprétations du faune et du spectre de la rose.

Le fauvisme

La couleur l’emporte sur la forme et ne joue plus un rôle descriptif, mais l’emporte par son audace. Tons purs, couleurs primaires. La première œuvre fauve que l'on connaisse s'appelle le Talisman.

Le cubisme

Le cubisme se constitue autour de Braque et de Pablo Picasso. Le cubisme est né d'après Paul Cézanne qui théorise : « la nature peut se traiter par le cylindre, la sphère, le cône ». Picasso ira encore plus loin en reproduisant toutes les faces de l’objet sur un même plan. Ex : Les Demoiselles d'Avignon.

L’art nègre

Fauves et cubistes se passionnent pour l’art nègre. On collectionne des sculptures d’Afrique noire et on s’en inspire. Le succès des arts africains suscite l’emploi des lignes brisées, des formes totem, des couleurs sombres, des laques, de l’ébène. On donne même des « bals nègres », des expositions, et la revue de Joséphine Baker, célèbre danseuse garçonne durant les années folles, en 1925 connaîtra un vif succès.


L’architecture fonctionnelle

Le béton armé devient d’utilisation courante. Il se prête à toutes les formes. Les architectes s’insurgent contre l’éclectisme. Ils revendiquent la simplicité, la géométrie et la cohérence structurelle. L’architecture fonctionnelle revendique que la forme exprime la fonction du bâtiment, sans ornements superflus. L’architecte Adolf Loos écrira « Ornement et crime ». À Lyon, Tony Garnier construit : le stade Gerland, la grande halle, mais aussi l’hôpital Édouard-Herriot et le quartier des États-Unis.en 1919 walter gropius crée une ecole appelé le bauhaus, ecole d'art pluridisciplinaire ayant pour doctrine art et technique une nouvelle unité, cette ecole fait partie des avants gardes artistiques des années 20 avec en autre le groupe hollandais de stijl qui influenca par la suite le bauhaus dés l'arrivé a la direction de theo van doesburg.

Remarque : Charles-Édouard Jeanneret, dit Le Corbusier ira encore plus loin avec le pavillon de l’Esprit Nouveau, lors de l’exposition de 1925. Mais on le cache derrière des palissades. Il deviendra néanmoins une construction phare du mouvement moderne. Le Corbusier sera par la suite le grand théoricien de cette architecture fonctionnelle. Plus tard, il organisera le CIAM (Congrès International de l'Architecture Moderne), et en ressortira la Charte d'Athènes.

Caractéristiques

Autant les formes de l'Art nouveau étaient ondulantes, très détaillées et prenaient exemple sur la nature, autant l'Art déco s'est tourné vers des formes épurées et essentiellement géométriques. La courbe, encore très présente aux débuts de ce mouvement, tend à disparaitre progressivement au profit de l'angle droit, notamment avec le courant De Stijl. Ce fut une véritable mais brève explosion artistique concernant de nombreuses disciplines artistiques :

architecture : Chrysler Building (New York). Tony Garnier, Auguste Bluysen, Charles-Édouard Jeanneret (Le Corbusier) et son frère, Robert Mallet-Stevens.
design : aménagement intérieur de l'Aubette (Strasbourg). Ludwig Mies van der Rohe. Amédée Ozenfant.
cinéma : L'Inhumaine de Marcel L'Herbier avec des décors de Robert Mallet-Stevens.
peinture : Tamara de Lempicka.

La période Art déco est directement liée à la garçonne, terme désignant l'émancipation de la femme et instaurant la femme au-dessus de l'homme, dans les années 1920. Le mot vient du roman du même nom écrit par Victor Margueritte. Les plus belles représentations de la garçonne sont Suzanne Lenglen (tennis), Louise Brooks (cinéma), Tamara de Lempicka (peinture) ou encore Joséphine Baker (danseuse noire)…

Après une période faste durant les années 1920, le courant s'essouffle peu à peu vers la fin des années 1930, progressivement remplacé par l'influence grandissante du Bauhaus et plus généralement du Style international qui accompliront le rêve des artistes de l’Art déco : la production en série. Et c'est ainsi que naquit les prémices de la société de consommation que nous connaissons, le beau à moindre prix.

L'un des thèmes en architecture était d'utiliser les formes des objets quotidiennement utilisés par le propriétaire du bâtiment afin d'expliquer la fonction de ce dernier, mais le concept fut étendu. Ainsi, le toit du Chrysler Building évoque les pare-chocs des voitures de la marque. Ce concept atteint son paroxysme avec le style California Crazy où l'objet surdimensionné est un élément ou le bâtiment entier.


Le style Art déco ou style 1925 - 1939

Le mot "Art déco" est né dans les années 1960, période pop-art, pour désigner le style qui triomphe à l’Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes à Paris en 1925.

En effet, la réaction contre l’Art nouveau apparait dès 1910 en France, et encore plus tôt à l’étranger comme en Belgique, en Allemagne, aux Pays-Bas, en Autriche, ... On qualifie les formes Art nouveau de "molles" ou encore de "style nouille". On s’oriente par réaction vers des lignes simples, des formes droites, inspirées par la peinture cubiste et l’architecture aux structures orthogonales de béton armé.

Deux tendances très différentes coexistent :

La tendance traditionnelle : c’est le style "ART DECO", pour une élite fortunée.
La tendance moderne, fonctionnelle : c’est le début du design, recherchant une production industrielle, pour une clientèle de masse.

Style Art déco, tendance traditionaliste

Luxe et perfection

Le mobilier Art déco est l’œuvre d’artistes décorateurs pour des commandes de la part d’une clientèle riche, ayant soif de nouveauté, tout en restant conformiste. Ce sont des meubles réalisés en ébénisterie qui cherchent le luxe et la perfection. Les meubles sont donc des pièces uniques.

Formes

Les formes restent classiques, avec parfois des rappels aux styles antérieurs : Louis XVI, Directoire, Louis-Philippe. Mais l’art cubiste va pousser à une simplification des formes.

Les volumes sont parallélépipédiques, aux angles vifs, ou arrondis, ou à pans coupés. Le cercle et l’octogone sont également appréciés.

Les meubles sont souvent supportés par des socles.

La mouluration est rare.


Deux écoles « révolutionnaires »

Le Bauhaus

En 1919 ouvrit en Allemagne un centre de formation esthétique connu sous le nom de Bauhaus. Sous la direction de Walter Gropius, il devint l'un des plus influents de ce siècle, et fut actif jusqu'en 1933. Son seul but était de former des artistes à travailler pour l'industrie, et même si l'on a parfois exagéré son influence, le Bauhaus imprima sa marque sur le design du vingtième siècle. À partir de matériaux industriels modernes réduits à leur forme la plus élémentaire et dénués de tout ornement, les créateurs du Bauhaus tentaient de créer des produits débarrassés de toutes références historiques. Cet objectif n'était pas toujours atteint. La célèbre chaise Wassily de Marcel Breuer présente nombre des caractéristiques associées "au style Bauhaus" : en acier tubulaire, de forme géométrique dépouillée, elle doit sa construction au talent de l'artisan et de la machine. Le plus grand succès du Bauhaus fut ses méthodes d'enseignement, qui furent copiées sur toute la planète. Gropius attira des artistes célèbres, comme Wassily Kandinsky, Josef Albers et Paul Klee, et des architectes reconnus comme Marcel Breuer et Ludwig Mies van der Rohe.

Le VKHUTEMAS

École de design d'avant-garde qui ouvrit à Moscou en 1920. Son nom était le sigle des ateliers techniques d'état comme le Bauhaus, le but de l'école était de former des artistes à l'industrie. Elle partageait les caractéristiques de l'école allemande, Wassily Kandinsky et El Lissitzky participaient aux deux organisations. Alexandre Rodtchenko, dessina des meubles pour le cercle des travailleurs à l'exposition de Paris de 1925. Cependant aucun des prototypes de meubles créés par cette école, ne devint une réalité industrielle.


Décoration et textile

Si la ligne est épurée, le mobilier affiche une décoration soignée et souvent luxueuse.

La sculpture est très méplate. Elle utilise un répertoire géométrique, floral ou animal, très stylisé, géométrisé. La rose est très présente en bouquet, en corbeille, en guirlande.

Le traitement de surface : dorure, laque.

La marqueterie et l’incrustation de filets, de plaquettes en ivoire (art nègre) de nacre ou de métal (argent, cuivre, laiton, aluminium).

La coloration de certains bois tel l’érable, teinté en rouge, bleu, vert ou gris (goût de la polychromie né des ballets russes).

Les figures sont stylisées, les motifs régulièrement répétés. Le tissu sature souvent les intérieurs de rythmes saccadés et vifs qui rappellent ceux de la musique légère de l’époque. Tous les motifs et influences déjà cités se répètent avec une constance qui contribue, certes, à l’unité du style, mais finit aussi par rendre les intérieurs étouffants.

Le Corbusier et les modernistes prêchent quant à eux, "la loi du Ripolin" : le retour au simple mur blanc, qui s’imposera progressivement.


Matériaux et techniques

Les bâtis sont le plus souvent en chêne. Les structures moulurées ou plaquées utilisent l’acajou, le palissandre, le thuya, l’amarante, le citronnier… Contrastes de bois clairs (citronnier) et de bois foncés (amarante), de couleurs et de matières.


Principaux créateurs

Jean Dunand, dinandier d'exception tout autant que maître de l'art du laque, crée des vases de toutes formes, des panneaux décoratifs, des paravents, des meubles, des bijoux, des accessoires de mode.

L’homme de l’époque, c’est Émile-Jacques Ruhlmann. Il travaille sur commande, pour une élite fortunée. Il s’inspire du passé mais étire les lignes, fusèle les formes et crée des décors savants. Il utilise des bois rares et dessine avec une précision inouïe chaque détail pour que l’exécution (par les artisans) soit parfaite.

Pierre Legrain, Pierre Chareau, également marqués par l’influence de l’art nègre et du cubisme, créent des meubles aux lignes strictes. Néanmoins ces meubles ne sont pas pour une fabrication en série, mais pour une clientèle d’exception. Le luxe des matériaux contredit la sobriété des lignes.


Esprit et variété des meubles

Les sièges sont souvent d’inspiration Directoire ou Restauration. Un souci de confort est à remarquer dans les fauteuils, inspirés du fauteuil club, aux formes profondes. Le bois est peu apparent et souvent dissimulé par un recouvrement de cuir ou de textile.

Le cosy-corner, création de l’époque, fait fureur. C’est un divan d’angle, encastré dans une boiserie avec diverses étagères.

Les commodes et meubles d’appui ont une façade très souvent galbée, voire ventrue.

Les tables sont soit rondes, ovales, rectangulaires avec les angles cassés. Les coiffeuses et bureaux de dames sont particulièrement raffinés.

On retiendra que le style Art déco fut celui d’une clientèle restreinte et fortunée. Il a hésité entre esthétique nouvelle (sous l’influence du cubisme, du fauvisme et de l’art nègre) et tradition dans l’inspiration des styles du passé, dans l’ornementation.

Dernier témoin d’une longue tradition française, il sombrera dès 1939 avec Hitler et le nazisme.

Pendant que les traditionalistes de l’Art déco font recette auprès de la bourgeoisie et des artistes en vogue, quelques ateliers méconnus, tenus à l’écart, s’intéressent à la production en série de meubles bon marché : les fonctionnalistes, prophètes du "style contemporain", jetteront les bases du design en s'éloignant de l'esthétique artisanale pour se laisser gagner par l'esthétique industrielle. Dès 1917, un groupe de peintres, d'architectes, de designers et de philosophes hollandais créèrent un collectif baptisé De Stijl, le style. S'éloignant des formes naturelles de l'architecture et du design, le groupe De Stijl tenta de créer un langage visuel capable d'exprimer une nouvelle esthétique industrielle en utilisant une palette réduite et en se limitant à des droites.