L'art de la critique

Soit un disque, disons celui des Symphonies n° 38 « Prague » et 41 « Jupiter » de Mozart, (Orchestre baroque de Fribourg, René Jacobs, Harmonia Mundi).
Soient deux critiques.

Critique A
Voici l'un des CD les plus délicats qu'il m'ait été donné de commenter. Non pas tant en termes de description des faits que dans la matérialisation de la sacro-sainte notation. Je parie que sur un échantillonnage de mélomanes amateurs de Mozart les notes iraient de 2 à 10 avec peu de 4, 5, 6 ou 7 : beaucoup de 2 ou 3 d'un côté, et de 9 ou 10 de l'autre.
Que peut-on, que doit-on faire avec la musique de Mozart ? Une entrevue musicalement détaillée avec René Jacobs dans le livret (on peut passer 3 pages à discuter de l'articulation du Menuet de la Jupiter !) aurait été mille fois plus intéressante qu'un texte « lambda » sur les œuvres. Je ne peux donc que me faire le porte-parole des intentions qui me paraissent guider ce que j'entends.
Premier postulat de Jacobs : ces symphonies de l'après-Noces de Figaro sont des opéras sans paroles. Elles sont donc davantage habitées par une vie théâtrale que par une tradition classique. Second postulat : il n'y a pas de véritables limites à l'ambitus de l'expression de cette vie théâtrale. Donc, dans la lecture de Jacobs, cet ambitus est extrêmement large. On pense évidemment au disque coup de poing, violent, de Minkowski (Archiv), que, pour ma part, j'ai détesté. On peut juger que Jacobs va encore plus loin et est donc encore moins recevable. Mais, à mes oreilles, Minkowski fait du simple « rentre dedans » alors que la rhétorique de Jacobs me fascine.
Cette fascination est-elle perverse, oui ou non ? Sur cette réponse se diviseront ceux qui attribuent 2 ou 3 et ceux qui notent 9 ou 10. Oui, ce disque met mal à l'aise. A priori, en scrutant la partition, on ne voit pas où Jacobs trouve toutes ces ombres et ces lumières, ces affirmations et ces échos, ces respirations avec des petits temps d'arrêts ou ces ralentis. Et pourtant, ce que j'entends fait sens : des situations musicales comparables sont traitées avec la plus totale logique. Même si elle heurte totalement nos habitudes, la respiration nouvelle nous captive.
Dès l'introduction de la Symphonie n° 38, Jacobs montre que son interprétation ne sera pas comme les autres, puisqu'il ne joue pas les appoggiatures. Sur l'ensemble, en y regardant bien, ce qu'on observe c'est qu'aux reprises Jacobs applique une ornementation comme s'il s'agissait de lignes vocales. Cette ornementation se traduit par l'ajout d'une ligne instrumentale, par un petit temps d'arrêt, un piano subito, bref une « surprise » qui vient enrichir la musique par rapport à une simple da capo. J'ai même l'impression que plus la phrase est reprise plus Jacobs « en met » pour l'habiller. Le Menuet de la 41e est un très bon exemple de cela.
La discussion, alors, se résume à un autre niveau, plus substantiel que le "j'aime-j'aime pas": les ornementations sont-elles de bon goût, toutes de bon goût, mesurées ou outrancières (c'est sur les « temps suspendus » que je reste encore un peu sceptique) ? Si Mozart est une icône de porcelaine à vos yeux, tout cela restera odieux. Si vous pensez que le Mozart des dernières années est le musicien de la Révolution, ce disque vous laissera extatique. Ceci pose, il y a bien d'autres choses ici, par exemple une montée vers la lumière du Finale de la Jupiter (trompettes au début de la coda), qui fait penser à une cérémonie maçonnique
Alors oui, intéressé, toujours; fasciné, souvent ; irrité, rarement, j'ai choisi de m'engager et de noter ce CD, mu par une intelligence supérieure, comme on note un événement hors du commun, par un 10/10. Mais, attention, c'est une bombe. Vous aurez été prévenus.

Critique B
(…) Hélas, cent fois hélas, les bras nous en sont tombés dès l’écoute des premières mesures de la Prague et malgré nos efforts de réécoute (cent fois sur le métier …), nous sommes restés catastrophés jusqu’à la fin de la « Jupiter ». Qu’est il donc arrivé au chef qui faisait chanter et respirer Les Saisons en leur donnant dynamique, couleurs et saveurs, pour nous « exécuter » ici deux symphonies de Mozart, et non des moindres, sans « respiration », à toute vitesse, aux couleurs totalement uniformes, à la sonorité parfois franchement laide, en grande difficulté sur les phrasés, très uniformes eux aussi, perdant toute spécificité au point de se ressembler comme deux gouttes d’eau, dénuées de la plus infime émotion musicale ? Essayons de comprendre avec quelques exemples précis. [Suit une argumentation circonstanciée à l’appui des impressions].

Bref commentaire
Première constatation : les deux critiques ne font pas que donner une opinion, elles la justifient. Cela change du plan : vie du compositeur, place du morceau dans son œuvre et opinion du genre « XX jouent avec brio ces partitions »). La deuxième donne une opinion en la justifiant. La première a pour sa part aussi un recul qui permet d’expliquer la deuxième. Elle est donc plus complète et plus éclairante. Je pense que bien des gens peuvent écrire un article de la deuxième sorte mais beaucoup moins de la première. On peut trouver ailleurs sur le même disque des critiques qu’on peut ramener à ce deux types.

Sources
La critique A est de Christophe Huss
La critique A est de Patrick Georges Montaigu

Certes ...si celui qui "critique" n'a fait aucune étude musicale un peu poussée lui permettant de faire une analyse musicale complète...il n'a guère d'argument musicologique pour justifier ses impressions et son ressenti en face d'une interprétation.

Mais les critiques sont plus destinées aux "mélomanes de base" qui de toute façon sera dépassé par les explications "musicologiques" de l'auteur..donc de peu d'intérêt pour lui, sauf à accorder peut être une plus grande confiance à cet auteur?...
Cependant des critiques étayées par des arguments "d'analyse musicale de l'oeuvre" (pour généraliser) et qui aboutissent à des conclusions différentes, voire opposées,....il y en a plein les revues spécialisées (où là les chroniqueurs sont, je suppose, des gens qui ont fait études musicales un peu plus poussées que le commun des mortels!).
Ce qui depuis longtemps me prouve que LA VERITE en musique et dans son interprétation est une notion fort prétentieuse pour celui qui semble ou qui croit la détenir!!

un exemple plus ou moins récent:
un nouvel enregistrement de "Ibéria" d'Albenitz obtenait un "diapason d'or"..décené par Alain Lompech qui n'est pas du style à dire seulement :"j'aime " ou "je n'aime pas"
dans une autre revue (qui semble t'il n'existe plus et n'a eu que quelques numeros: "Art" et qui manifestement employaient aussi des "pros")...le même enregistrement était descendu en flèche, et qui plus est, non seulement pour des "options" du pianiste que l'auteur réfutait...mais aussi et surtout pour la qualité ou ses capacités pianistiques techniques a pouvoir jouer
cette oeuvre!!!

Et puis si un critique quel qu'il soit n'aime pas un des interprètes ou le chef ou l'oeuvre il n'ira pas dire du bien de l'enregistrement qu'il a écouté.

oui il y a plein d'éléments qui détournent de sa propre objectivité!

Jean a écrit:

si celui qui "critique" n'a fait aucune étude musicale un peu poussée

Je constate en effet que bien des critiques publiées sont écrites par des spécialistes, pour caricaturer un peu par des professeurs qui mettent du rouge sur les copies. En ce sens la critique B est une parfaite critique de spécialiste.
Il manque alors un peu de naïveté : une interprétation peut bien être belle sans pour autant obéir à des canons couramment admis. La critique A me semble en ce sens salutairement naïve, tout en évitant de trouver exceptionnel le « jamais encore entendu » pour la simple raison qu’il est nouveau.
Je me mets à prendre goût à terminer en citant ce que j’écoute. Estevan Daça, El Parnasso par El Cortesano (José Hernandez Pastor au chant, Ariel Abramovich à la vihuela), Arcana 2002. Ce sont des poèmes espagnols chantés du XVI° siècle.

Chacun peut aussi avoir une conception différente de l'oeuvre.

Certes, mais comment en parler au mieux, ou le moins mal possible ? Il faut aimer (la musique dont on parle ou l'interprète...) mais se faire comprendre pour être le plus utile à celui qui lira ? Si la solution était simple on la connaîtrait, mais " parler de " (autrement dit critiquer) est un art. Et je suis un petit peu pessimiste : peu d'artistes dans ce domaine.
(J'écoute les Métamorphoses de Richard Strauss, Nash Ensemble, Hyperion, 2006)

l'art je pense , que l'on soir spécialiste (musicologue) ou pas est de décrire le mieux que l'on peut ce que l'on entend, sans prendre partie...c'est sans doute difficile et excessif, mais sans lancer des anathèmes ou à l'inverse en précisant que l'enthousiasme que l'on ressent peut ne pas être partagé par tout le monde!...Surtout dans une interprétation si "nouvelle" comme les symphonies de Mozart que tu donnais en exemple.

Guillaume a écrit:

Chacun peut aussi avoir une conception différente de l'oeuvre.

Tout à fait....et même le compositeur lui-même peut ne pas être "bloqué" ou attaché à une seule façon de proposer son oeuvre; un exemple célèbre: Olivier Messiaen qui a cautionner plusieurs enregistrements assez différents de sa symphonie "Turangalila"

Jean a écrit:

Guillaume a écrit:

Chacun peut aussi avoir une conception différente de l'oeuvre.

Tout à fait....et même le compositeur lui-même peut ne pas être "bloqué" ou attaché à une seule façon de proposer son oeuvre; un exemple célèbre: Olivier Messiaen qui a cautionner plusieurs enregistrements assez différents de sa symphonie "Turangalila"

Tout à fait d'accord avec vous deux. Je ne lis que très rarement les critiques, et la plupart du temps, je ne suis pas d'accord avec elles. Ce n'est pas parce qu'un critique nous dit que telle interprétation est nulle que je vais la trouver forcément nulle. Et vice versa.

Tout est question d' appréciation personnelle. Pas besoin de critique pour ça.

Je pense en effet qu’il est légitime de considérer une œuvre de bien des façons, pourvu qu’on soit honnête, que « ça colle ». C’est quand même une grande restriction ! Ça vaut aussi bien pour une interprétation que pour un commentaire. Je pense qu’il faut savoir où on va en le faisant - l’interprète ou le critique comme un indicateur de chemin.
J’ai découvert presque par hasard Alexandre Tharaud qui joue Bach au piano (un de mes disques « magiques »). Quand j’ai lu sous une plume avisée que ceux qui ont aimé ce disque aimeront aussi Jean-Guihen Queyras et Jiři Belohlavek dans Dvořak, je me le suis procuré et j’ai en effet été enchanté. Le chemin était le bon.
J’espère qu’il y aura encore beaucoup de réactions à ce sujet, des remarques que les uns ou les autres se font.
(J'écoute Witold Lutosławski, Concerto pour violoncelle, le compositeur à l’orchestre et Msistlav Rostropovitch, EMI)

voilà un excellent sujet sur lequel je vais prendre le temps de mediter ma reponse dans la journée car il y a tres long à dire. Et nous sommes bien placés ici pour le savoir en tant qu'auditeur et meme "critiques" amateurs à nos heures. Comme tout ce qui comporte une part de subjectivité et surtout en art il est difficile d'obtenir des avis semblables. Moi j'ai tendance à me mefier des concerts de louanges uniformes, car chaque oreille est autant de gouts, de sensibilité... mais il est vrai qu'il existe des disques, des grands disques qui eux font d'emblée l'unanimité.

J’ai lu sur un forum le commentaire d’un enregistrement que je connais : il s’agirait de « n’importe quoi esthétique ». Le commentateur a-t-il écouté le disque, a-t-il suivi le pianiste, lui a-t-il fait ou prêté confiance ? S’il est certes légitime de refuser de suivre un interprète, comment s’autoriser alors le commentaire et conclure « ce n’est pas un bon disque, cela ne vaut pas tripette » ? Il est facile de faire ensuite de l’esprit dans un style gentiment méprisant, mais je m’inquiète : où est la communication, où est l’écoute, reste-t-il quelque chose de l’art ?
Je pense toute de même qu’on se rend compte s’il s’établit une communication entre l’artiste et soi-même – s’il ne s’en établit pas, cela devrait suspendre le commentaire et non susciter l’anathème.

quel est ce disque ?

Enfin la connexion remarche.
Hmm, tu ne devines pas ? Les Préludes d'A. Tharaud.

j'en etais sur mais dans le doute...

Nos échanges hier soir sur le Tchaïkovki d’Anne-Sophie Mutter me sont revenus en tête au cours de la journée.
Je me suis souvenu d’une scène au rayon des disques il y a un certain temps : un monsieur d’une soixantaine d’années à l’accent méridional avait assisté la veille à un concert Mozart d’Anne-Sophie Mutter à Baden-Baden et il souhaitait se procurer le disque. Il était visiblement sous le charme du concert – l’artiste à un moment s’est arrêté de jouer et a demandé au public d’éviter de tousser en expliquant que cela la déconcentrait. Auf deutsch évidemment, mais son voisin lui avait traduit. Et plus près de nous de mémoire, un chroniqueur de Classique info lui-même a relevé, à l’occasion d’un autre concert au même endroit, que les autres artistes étaient restés en retrait en laissant le pas à la violoniste : là aussi un charme s’est exercé. Je crois ne pas me tromper à propos des enregistrements d’Anne-Sophie Mutter : les critiques insistent sur sa présence dans la musique qu’elle s’approprie en y imprimant sa marque. Dans les concerts comme dans les enregistrements, c’est la présence prégnante de l’artiste qu’on souligne. A partir de là, les avis divergent : il y a ceux qui aiment cette présence insistante et ceux qui la trouvent trop forte et lui préfèrent des artistes plus discrets (justifications à l’appui dans les deux cas, évidemment). A preuve les commentaires sur les deux enregistrements du Tchaïkovski : ceux qui arguent d’une trop forte présence préfèrent la première version où elle est moindre. Les critiques entendent bien la même chose – c’est bon signe ! – la présence de la violoniste, ils choisissent ensuite. Même impression mais jugement différent – ce n’est sans doute pas bien nouveau, mais je crois avoir compris quelque chose sur le « charme » d’Anne-Sophie Mutter : ou on y succombe ou on le refuse, semble-t-il…

On peut dire la meme chose d'ailleurs pour son son mentor Karajan qui avait le don de vampiriser les oeuvres qu'il dirigeait.

On est impatient de lire la suite... mais c'est moi qui suis en général bavard à l'écrit ! (Je connais peu Karajan, peu Anne-Sophie Mutter dont j'apprécie pour le premier entre autres son Requiem allemand et pour la deuxième son Brahms avec Masur).

j'aurai long à dire sur Karajan, car si il y a un chef que j'ai devorer etant plus jeune c'est bien lui ! je n'avais que ses disques au debut de mon parcours dans le classique.

Il faudra que tu le fasses puisque tu connais si bien. Peut-être une sorte de chronique ?

Jean Michel disait:
"Les critiques entendent bien la même chose – c’est bon signe ! –"

...et pas si fréquent pour être souligné!!!

Jean a écrit:

Jean Michel disait:
"Les critiques entendent bien la même chose – c’est bon signe ! –"
...et pas si fréquent pour être souligné!!!

Mais j'ai passé un regret sous silence : au lieu de dire à partir d'où il émet son opinion, il affirme quelque chose sur l'interprétation elle-même en confondant subrepticement l'objectif et le subjectif, le son et l'opinion. (J'ai beau jeu de parler, je n'ai jamais exercé de plume critique - j'espère ne pas m'avancer en terrain glissant !)

La résonance des interprétations
« J'étais jusqu'il y a peu assez réticent à ajouter une nouvelle version d'une œuvre que j'ai déjà, mais qu'il a-t-il de commun entre les Sonates du Rosaire par Bismuth, par Goebel ou par Manze ? », ai-je dit tout à l’heure. J’entends par ailleurs souvent dire : quand j’ai deux versions, je revends celle que je trouve moins bonne.
Si j’entends la même partition mais que j’en retire une autre impression, parfois une tout autre impression, comment juger qu’une serait meilleure que l’autre ? Ce sont plutôt deux faces du même objet – comme on regarde la même chose sous deux angles différents, qu’on dit une même phrase en lui donnant une intonation différente. Et quand j’ai entendu une façon de jouer et que je l’ai trouvée remarquable, elle a un effet sur ma manière d’entendre les autres interprétations. On pourrait dire qu’une interprétation sculpte une autre, que les interprétations ont les unes sur les autres un effet en accentuant leurs différences et en rapprochant leurs ressemblances (ou au contraire en rapprochant leurs différences et en accentuant leurs ressemblances). C’est alors dans l’oreille qu’a lieu la critique (le choix, la discrimination en grec). La résonance de la musique serait sa propre critique. En d’autres termes, plus j’écoute des interprétations différentes d’une même œuvre, plus je la déploie et mieux je l’entends dans toute son étendue.
Ce n’est peut-être pas autre chose que cherchent les transcripteurs : toujours la même chose pour un résultat différent et qui se resserre autour de cette différence.

tout à fait ce que je pense!